jueves, 15 de noviembre de 2012

¿QUÉ ES?

ALPACA: Aleación utilizada para la fabricación de instrumentos de gama media o baja, consistente en la mezcla de cobre, zinc y níquel en una proporción de mayor a menor cantidad. También es conocida como "German Silver".

ALTUS SILVER: Es una aleación utilizada por Altus para la fabricación de algunas de sus flautas, consistente en plata a un 99.7%, prácticamente plata pura, tanto en el tubo como el mecanismo.

AURUMITE: Material creado y patentado por Powell Flutes para la fabricación de los tubos de algunos modelos de sus flautas, consistente en un tubo de plata interno al que por electrólisis se le ha añadido otro de oro que lo recubre. En algunos modelos (como en cabezas "Custom" de la gama superior) la combinación es a la inversa.

BRITANNIA SILVER: Es uno de los materiales utilizados en la construcción de flautas por algunos fabricantes (especialmente Altus), consistente en una aleación entre plata al 95.8% y otros metales que completan el porcentaje (cobre, zinc...)

CABEZAS WAVE LINE: Es una linea de cabezas producida por la marca Jupiter en sus modelos de iniciación para niños. Conocida también como "lazo", la cabeza se acorta gracias al diseño que se asemeja a la letra omega griega. Se plantea como una alternativa a las cabezas en "U", también dirigidas a los niños, pero que tienen el inconveniente de que fuerzan a un cambio de la altura de los brazos respecto a la que se tiene con una flauta normal.

CHIMENEAS ESTIRADAS (u OÍDOS ESTIRADOS): Es una parte del proceso constructivo de la flauta, en el que se extraen mecánicamente del tubo original las chimeneas sobre las que cerrarán las llaves. Normalmente este tipo de construcción se da en instrumentos de gama baja o media; los de gama alta suelen llevar chimeneas soldadas a mano.

CHIMENEAS SOLDADAS: Tras practicar en el tubo los agujeros correspondientes a cada nota se sujetan con unos alambres las chimeneas sobre las que cerrarán las zapatillas. Estas chimeneas se sueldan manualmente al tubo. El sistema de chimeneas soldadas es característico de las flautas de gama alta.

D# ROLLER O RODILLO: Es un pequeño rodillo que se inserta en la llave del re# y que facilita el paso de esta llave a la de do o do# graves.

DONUT O FACILITADOR DEL MI: Es una pequeña pieza circular que se coloca dentro del segundo agujero de sol#, reduciendo el tamaño del mismo y facilitando la emisión del mi agudo. Su suele utilizar como sustitutivo del mecanismo de mi (o mi partido).

ESCALA BENNET: La escala Bennet es una evolución de la escala Cooper realizada por el prestigioso flautista inglés William Bennet, quien trabajó muy estrechamente con el primero en el diseño de la "Escala Cooper". Las diferencias entre ambas son muy pequeñas.

ESCALA COOPER: La escala "Cooper" fue diseñada por el famoso constructor inglés Albert Cooper (1924-2011) en los años 60 del s.XX. Por medio de la disposición de los agujeros en el tubo, su tamaño, la altura de las chimeneas, etc... consiguió una mejora sustancial en la afinación interna del instrumento. Los modelos precedentes se basaban en aproximaciones empíricas al emplazamiento idóneo, o simplemente copiadas de instrumentos anteriores sin haber desarrollado un trabajo científico acerca de la situación correcta para cada instrumento (platos abiertos o cerrados, altura del diapasón, etc...). El trabajo de Albert Cooper fue determinante en el desarrollo de la flauta Boehm, que por otro lado ha sufrido muy pocos cambios en cuanto al diseño mecánico general desde los trabajos de éste último.





GERMAN SILVER: Tradicionalmente se denominó como "German Silver" (o "plata alemana") a una aleación de cobre, zinc y níquel utilizada entre otras aplicaciones para la fabricación de flautas o mecanismos de flautas. Aunque actualmente no está permitido denominar así a una aleación que no contiene realmente plata, aún es posible encontrar este nombre sobre todo en la venta o descripción de instrumentos históricos. En español esta aleación siempre se ha conocido como "alpaca".

GIZMO: Es una pequeña palanca que en las patas de Si habilita que la última llave la flauta se pueda cerrar independientemente de las otras llaves de la pata para facilitar la emisión de las notas del registro sobreagudo, especialmente el do. Se sitúa junto a los rollers de si y do graves.

MECANISMO DE MI (MI PARTIDO): Consiste en un mecanismo que facilita la emisión del mi agudo (o mi 6) por medio de una palanca que conecta la llave del mi con la segunda llave del sol (la que no tapamos directamente). De este modo al presionar la llave del mi la cerramos sin actuar sobre la del sol. El mi agudo es una nota acústicamente débil en la flauta travesera. Con este mecanismo la emisión es muy sencilla. En los modelos actuales  no supone un precio muy superior respecto a los que no lo llevan, y desde los instrumentos de iniciación se puede encontrar como opción.

MECANISMO PINLESS: Es una innovación en la construcción del mecanismo de la flauta que evita la utilización de los pequeños pasadores (o pins) que fijan una sección del mecanismo a su eje de modo transversal. Este sistema hace que para desmontar las llaves haya que emplear técnicas agresivas que a la larga desgastan más el instrumento, y que sólo se deben hacer con herramientas especializadas. Los mecanismos pinless ofrecen una facilidad mucho mayor a la hora de desmontar el mecanismo para su limpieza, engrasado, etc...

TRINO DE DO#: Es uno de los mecanismos que se están incorporando últimamente como opción cada vez más habitual en flautas sobre todo de grama media y alta. Se practica un agujero más en el cuerpo de la flauta, al la izquierda del si, y se acciona por medio de una palanca que se acciona con el índice de la mano derecha. Facilita la emisión de algunos trinos que de otro modo son complicados o imposibles de producir.



                                      Trino de do# en una antigua flauta Powell

PATA CONVERTIBLE C/B: A una pata de do tradicional se le puede añadir una pequeña parte más de tubo que la habilita para llegar hasta el si grave sin necesidad de adquirir toda una pata de si. Esta opción sólo suele estar disponible en instrumentos de gama alta por encargo especial.

PATA DE DO (C FOOT): Es la nota más grave que puede alcanzar esa flauta.

PATA DE SI (B FOOT): Es la nota más grave que puede alcanzar esa flauta.

PUENTE FRANCÉS (FRENCH POINTED ARMS): Es un tipo de configración de las llaves de la flauta en la que la cazoleta está soldada por medio de un brazo, o puente, al eje móvil. Este tipo de construcción es característica de modelos de gama alta, aunque también algunos modelos de estudio lo incorporan.



STERLING SILVER: Es una aleación que usa plata al 92.5% combinada con otros metales. Es el tipo de plata más utilizada para la construcción de flautas.


Consulta sobre modelos de estudio: Powell

Buenas tardes: He estado leyendo el contenido del blog y me ha resultado realmente útil. Soy madre de flautista de 4º de EEPP que quiere cambiar su Yamaha de estudio por una superior. El próximo viernes la marca Powell viene al conservatorio y me gustaría conocer su opinión sobre estas, por si conoce algún modelo que crea que sale bien. La niña estudiará pefil compositor y toca esporádicamente con una banda juvenil. Ella busca un instrumento ligero pero, al parecer, la plata es más pesada, ¿conoce alguna otra opción? Luego está lo de la afinación que yo no entiendo que diferencia hay entre La 440 o 442 o 444. También le gustaría con un rodillo de re sostenido y llave de trino de Do sostenido (ígual me equivoco en la explicación que no tengo ni idea). Muchas gracias por sus aportaciones. Saludos



Hola:
Como respuesta a su comentario, he de decir que Powell es una de las más prestigiosas marcas de flautas estadounidenses, y por lo tanto son instrumentos de una calidad asegurada. A grandes rasgos Powell produce cuatro segmentos de flautas, que se clasifican en orden descendente de precio (y se supone de calidad), de este modo:

Handmade Custom (básicamente la diferencia es que las chimeneas son soldadas a mano)
Handmade Conservatory (chimeneas estiradas mecánicamente)
Signature (ídem)
Powell-Sonaré (ídem)

No sé exactamente en qué gama y/o modelo está interesada, pero en cualquier caso Powell es seguro un buen  instrumento.

A partir de ahí, entran en juego las preferencias y el gusto personal de cada cual, y en el caso de una alumna de estudios profesionales, seguramente el criterio de su profesor o profesora (aunque quien va a comprar el instrumento y a utilizarlo durante años es el alumno).

Dependiendo de qué gama sea la elegida, Powell compite con  marcas como Muramatsu, Sankyo, Altus, Pearl (japonesas) o Brannen, Arista o Abbel (por decir algunas otras estadounidenses), y un largo etcétera.

¿Qué modelo es el adecuado para su hija? Es muy difícil de decir. Por lo que dice es posible que no compre otro instrumento después de éste si no piensa adquirir un perfil de flautista profesional. Por ello yo pensaría en una flauta de un nivel medio-alto. En Powell eso sería una "Handmade Conservatory", en Muramatsu una DS, una Sankyo CF 401, etc...En fin esto puede ser un poco lioso, así que para precisar estaríamos hablando de un precio mínimo de unos 4500€ y hasta los 7000 u 8000€, dependiendo del material, características exactas, etc...

La cuestión del peso depende básicamente del espesor del tubo. Lo más habitual es encontrar flautas entre como mínimo 0.014pulgadas (0.35mm), pasando por las de 0.016 (0.40mm) hasta las 0.018 pulgadas (0.45mm.) que son las que se suelen denominar "heavy". Si el peso del instrumento es un factor importante por alguna cuestión como lesiones de espalda, articulaciones, etc...yo elegiría un instrumento con pata de do,  tubo de 0.014 pulgadas, y tal vez sin el trino de do sostenido (que siempre añadirá algo de peso). El espesor del tubo se asocia normalmente al tipo de sonido que éste va a producir. Como todas las cuestiones relacionadas con los materiales esto es algo muy subjetivo y poco demostrable científicamente, pero en el mundillo flautístico se suele asumir que un tubo de menor espesor sonará más "brillante" y uno heavy más potente y "oscuro".

En cuanto a la afinación, 440 , 442, etc... se refiere los cents (que es la medida de cálculo) en los que está afinado el La del instrumento. Esto es muy importante, pues aunque las flautas tienen un pequeño margen de corrección por medio de la cabeza del instrumento, una flauta que esté afinada demasiado baja o alta en origen, dará muchos problemas o será directamente intocable en un conjunto instrumental determinado. La afinación estándar en España suele ser 442 (aunque en la práctica se suele tender a afinar más alto, 443 o incluso hasta 445 cents). Por eso hay que tener mucho cuidado con no comprar un instrumento que esté afinado sobre todo a 440. Yo tampoco compraría uno a 444 si voy a seguir estudiando en España o en Europa (aunque en Alemania la afinación de las orquestas puede ser muy alta). Yo le recomendaría sin duda una flauta a 442 cents.

Y en general, a pesar de que como le digo que Powell es una marca muy fiable, compararía prestaciones, características, precios, etc... entre los instrumentos de las distintas marcas aludidas y otras presentes en el mercado cercano, antes de decidirme. Una prueba en un Conservatorio puede ser buena para conocer instrumentos, pero a mí no me gusta decidirme a comprar sin probar antes otras alternativas. La presión del entorno (el comercial de la marca que lleve las flautas, tal vez el profesor o los compañeros...) puede ser muy fuerte e inducir a una compra poco meditada. Muchas veces además, las condiciones de estas pruebas no son las idóneas para tener un criterio acerca del instrumento, pues suele haber muchos flautistas tocando a la vez, la acústica del lugar puede no ser idónea, puede haber tantas flautas y de tantos modelos distintos que no es raro acabar sin saber si la primera nos gustaba más que la octava o menos.

En fin, espero que le sirva de ayuda mi criterio, y que encuentre el instrumento adecuado para su hija.

Muchas gracias, y reciba un saludo.



sábado, 10 de noviembre de 2012

PHILIPPE MANOURY: JUPITER 1ª parte.





Philippe Manoury es uno de los grandes compositores franceses vivos. Nacido en 1952, su trayectoria es bastante peculiar. Estudió piano privadamente con Pierre Sancan, aunque fue rechazado en la clase del Superior de París de éste último en dos ocasiones. Pese a este rechazo (o gracias a él) Manoury comienza una tempranísima carrera como compositor gracias a la obra para piano Christophonos compuesta a sus 19 años y que le sirvió de tarjeta de presentación entre el mundo de la composición actual. Su interés por la relación entre la música y la informática y la matemática le llevaron a intentar el acceso al Superior de París de nuevo, esta vez en la clase de composición de Ivo Malec y Michel Philippot. Siempre se situó ajeno a las tendencias principales de la vanguardia compositiva francesa que se debatía ávidamente entre el movimiento  espectralista (con las figuras emergentes de Grisey y Murail) y los seguidores de Messiaen, el gran compositor francés del momento, con quien Manoury  nunca tuvo una relación fluida. Acabados sus estudios en París trabajó en Brasil dos años tras los que regresa a Francia para trabajar en el recientemente creado IRCAM como investigador en el terreno de la interacción entre instrumentos tradicionales y programas informáticos. Su colaboración con el matemático norteamericano Miller Puckette en este sentido les convierte en pioneros en la informática musical, y desembocará en la creación de las primeras obras para instrumento con electrónica en vivo (o en tiempo real), y en el programa informático Max/MSP de realización gráfica de recursos multimedia.

Tras ser rechazado nuevamente su candidatura, ahora como profesor de composición del Conservatorio Superior de Paris, Manoury  es contratado por la Universidad de San Diego, en los EEUU, donde actualmente enseña composición, análisis y procesamiento en tiempo real de la señal.

Precisamente la particularidad del aspecto compositivo en el que trabaja, hace que sus obras sean difíciles de interpretar, pues a la dificultad técnica de la ejecución puramente instrumental hay que añadir la de contar con el soporte informático y de un técnico que se encargue de la realización de la electrónica en tiempo real.

La relación de la flauta travesera con la electrónica es bastante fructífera desde las primeras piezas que exploraron esta combinación. En el repertorio de la flauta figuran ya obras que se han hecho un hueco por mérito propio como "Musica su due dimensioni" de Maderna, "Das atmende Klarsein" de Luigi Nono, o "Explosante-fixe" de Boulez. Pese a su diversidad estética, instrumental o cronológica, queda claro que la flauta ha gozado de una atención importante por parte de los compositores, desde los primeros intentos de crear música con ayuda de instrumentos electrónicos.

No hay apenas trabajos específicos acerca de la música para flauta y electrónica. Este es un terreno bastante incipiente, extremadamente heterogéneo y en continua evolución, y los principales libros sobre la flauta navegan (o naufragan) en este tema pues se debaten entre la generalización de los estilos menos "cultos" (como el jazz, el folk o el rock,) que también utilizan medios electrónicos para procesar de un modo u otro el sonido de la flauta. No pretendo aquí y ahora hacer un trabajo exhaustivo acerca del tema, pero sí me gustaría presentar un autor u una obra que me parecen de una importancia muy significativa en el futuro de la flauta travesera.

La electrónica se ha utilizado en diversos sentidos combinada con instrumentos acústicos. El primero de ellos es el que utilizaría  sonidos grabados que se combinan con una organización determinada junto a una interpretación en vivo. Es uno de los usos más clásicos del recurso, pero no aporta necesariamente una novedad en el sentido compositivo, pues se utiliza más como una aportación sonora novedosa o sugerente. Las posibilidades técnicas de trabajar en estudios con sonidos pregrabados, o incluso crear bandas con sonidos "puros" de laboratorio, desarrollaron un amplio repertorio entre el que se encuentran obras como la ya mencionada "Musica su due dimensioni" de Maderna, y otras como su "Don Perlimplín" (una obra radiofónica en la que la flauta desempeña un papel teatral protagónico combinada con voces tratadas electrónicamente), u obras tan importantes como las de Bryan Ferneyhough "Carceri d'invenzioni IIc" o "Mnemosine".

Sin embargo la utilización de elementos electrónicos pregrabados supone la alteración de un parámetro elemental en la interpretación musical como es la aleatoriedad en la ejecución. La existencia de una (o unas) lineas pregrabadas e inalterables a la impresivilidad de la interpretación en vivo condicionan de modo crucial la ejecución, pues el intérprete se ve sometido a un encorsetamiento que resta una parte esencial de la música misma. De ese modo un recurso que amplia la capacidad expresiva de la composición musical por medio de elementos novedosos en la paleta de recursos sonoros, se convierte en un obstáculo para la libertad interpretativa y auditiva de los intépretes y los auditores mismos.

Uno de los mayores anhelos fue por tanto el posibilitar la utilización de elementos electrónicos en la interpretación musical, que entablasen un verdadero diálogo musical con los intépretes, y en este sentido la obra que presento es de una importancia crucial.

El contexto ya descrito del IRCAM en la década de los 80 del siglo pasado convoca a varios personajes fundamentales para el desarrollo de la electrónica aplicada a la interpretación musical. En este apartado es preciso destacar al flautista Larry Beauregard, un flautista canadiense establecido en París, en cuyo Conservatorio Superior estudió con Marion y que fue solista del Ensemble Intercontemporain. Desarrolló una flauta a la que aplicó una serie de detectores de altura de sonido que interactuaban con un procesador de sonido, que en principio fue la máquina 4X desarrollada por el italiano Giuseppe di Giugno. Beauregard había trabajado básicamente con el ingeniero Barry Vercoe en el desarrollo de un ordenador que era capaz de seguir la interpretación de una determinada pieza atendiendo a las variables de tempo, incluso a pesar de los eventuales errores del músico. El invento de Beauregard fue superado con los avances técnicos, y posteriormente los programas informáticos serían capaces de reconocer un texto musical sin la necesidad de los sensores de afinación que él había adaptado a la flauta. Su trabajo, sin embargo, sirvió de inspiración para el desarrollo de estos sistemas, y lo que es más importante, para la composición de las primeras obras en las que un instrumento en vivo interactuaba con el ordenador en tiempo real. No en vano "Jupiter" de Manoury fue dedicada a su memoria. La importancia de Beauregard en el panorama flautístico contemporáneo es capital, y el recorrido que llevó a cabo en su corta vida solamente deja entrever la pérdida que supuso para nuestro instrumento. Fue dedicatario, además de "Júpiter", de obras como "Mémoriale" de Boulez (un fragmento de "explosante-fixe") o Requiem 21.5 de Tim Brady. Su prematura muerte a los 28 años de un vertiginoso cáncer detectado pocos meses antes, le impidió seguir ese trabajo y ver el resultado musical del mismo. Su "heredero" flautístico en este terreno fue especialmente Pierre André Valade, quien más tarde sería una pieza fundamental en la creación de otra pieza imprescindible del repertorio para flauta(s) y electronica en vivo como es el "Explosante-fixe" de Boulez.



                                   
                              Barry Vercoe y Larry Beauregard experimentan en un 
                                     estudio la interacción entre el intérprete humano y el 
                                     ordenador en el IRCAM en 1984.



Sobre esta base, Manoury y Puckette comenzaron a evolucionar los primeros programas 4X, abarcando otras variables de la interpretación musical más allá del seguimiento temporal que la máquina podía hacer de la partitura. De ese modo otros parámetros como la intensidad, el espectro armónico, o el timbre del instrumento se convertían en objetos reconocibles y "manipulables" por medio del ordenador y de los programas informáticos. La electrónica se convierte así en un actor más, y se puede establecer un diálogo real entre el músico y la máquina, que ya no se atañe al seguimiento estricto y preestablecido por parte del primero de una secuencia temporal inamovible, al estilo de todas las piezas que incluyen una parte realizada previamente en estudio.

Esta es la génesis de "Jupiter", que Manoury compuso en una primera versión en 1987, y de este modo y en palabras del propio compositor, es la primera obra que conjuga la interpretación de una parte musical en vivo con el acompañamiento musical de un ordenador que reconoce y procesa todo el material sonoro que el flautista va ejecutando en el momento.




viernes, 9 de noviembre de 2012

Orquestas. Crisis. Futuro.

La Junta reduce la inversión en la OFM un 21% y un 14,5% en las...

"¿Parece razonable que el Gobierno andaluz detraiga de sus impuestos cerca de siete millones de euros y los destine a cuatro orquestas que en este momento sólo tienen carácter loca?l"

"¿es razonable que esta comunidad invierta y potencie una institución como la Orquesta Joven de Andalucía y después no seamos capaces de que dichos jóvenes andaluces cualificados tengan su espacio natural laboral y creativo en las cuatro orquestas andaluzas?"


(Luciano Alonso, Consejero de Cultura de la Junta de Andalucía)





La Fundación Bancaja reduce a la mitad la subvención para el Palau de la Música de Valencia


http://www.lasprovincias.es/20121107/comunitatvalenciana/valencia/palau-musica-presupuesto-2013-201211071251.html







Análisis de las demandas psicofísicas en la práctica y el aprendizaje de la flauta travesera

La doctora Fedra Borràs ha publicado su trabajo de tesis doctoral "Análisis de las demandas psicofísicas en la práctica y el aprendizaje de la flauta travesera".


"Este libro, el cual forma parte del programa de Doctorado en Didáctica de la Música de la Universidad Autónoma de  Barcelona, UAB, es una primera aproximación a estas demandas en la práctica de la flauta travesera y fundamenta su base teórica en el método psicofísico Cos-Art y en un análisis fisiológico y anatómico de la estructura corporal." (extracto de la introducción de la Tesis).


Debido al aumento de profesionales y amateurs dedicados a la práctica instrumental general (y a la flauta travesera en particular) que se ha producido en los últimos años, la incidencia de lesiones, patologías o problemas relacionados con ésta se ha visto también enormemente acrecentado, sin que en muchos casos la medicina haya dado respuestas demasiado eficaces a los problemas de los flautistas.


En no pocos casos músicos de un nivel medio o alto han tenido que abandonar la práctica musical activa debido a lesiones incapacitantes. Yo viví alguna de cerca en mi etapa en la ROSS y actualmente como profesor de Conservatorio tampoco es raro que compañeros e incluso alumnos padezcan problemas de las más diversas índoles relacionados con estas cuestiones. 


Esta tesis detalla las exigencias de todo tipo que la flauta travesera nos impone como instrumento de trabajo habitual. Se encuentra a la venta por la propia autora fedrabj@yahoo.es



La práctica musical a un nivel medio, alto o de alto rendimiento puede llegar a ser muy nociva para la salud física y sobre todo mental de muchos músicos. Especialmente la vida en una orquesta profesional (tan envidiada por muchos intérpretes) puede ser especialmente exigente y frustrante, y puede llegar a afectar muy negativamente a la calidad de vida general de aquellos afectados y quienes les rodean.


El libro de Guillermo Dalia, "Cómo ser feliz si eres músico o tienes uno cerca" (Ed. Idea Books ISBN. 978-84-936631-0-0)trataba todas las cuestiones sobre todo psicoemocionales, desde un punto de vista desenfadado, después de una larga trayectoria conociendo a ejecutantes de diversos instrumentos.






Mucho más material hay en otros idiomas sobre estas cuestiones. Un libro especialmente exhaustivo es el de la profesora francesa Pauline Adenot "Les musiciens d'Orchestre Symphonique. De la vocation au désenchantement" (Ed. L'Harmattan ISBN. 978-2-296-05747-0) (Los músicos de Orquesta Sinfónica. De la vocación al desencanto). En este trabajo, ilustrado con múltiples encuestas y un detallado trabajo sobre el terreno con músicos de las mejores orquestas francesas, retrata la problemática del día a día de los músicos que llegan a las orquestas profesionales cargados de expectativas e ilusiones que la realidad diaria de éstas se encarga de derribar ladrillo a ladrillo, hasta la ruina total. Para mí, que personalmente vi muy reflejada mi trayectoria orquestal con lo que la autora relata en este libro, da claves de la dureza de este tipo de vida, que tan difícil es de comprender para aquellos que no la han vivido. A día de hoy me cuesta mucho explicar a colegas o alumnos (y que lo entiendan) por qué dejé la orquesta en la que trabajé, y no he tenido ni un solo remordimiento después!!.



martes, 24 de abril de 2012

¿QUÉ FLAUTA ME COMPRO? Consulta sobre modelos de estudio.

PREGUNTA:
Buenos días Alfonso:

Soy una flautista de la provincia de Sevilla. He visto su blog y me parece muy interesante.
Le escribo para preguntarle su opinión y su consejo sobre la compra de una flauta travesera.

Mi caso es el siguiente, comencé a tocar la flauta a la edad de 10 años. Estudié en el conservatorio hasta 3 curso de Grado Medio, pero debido a dificultades con mis estudios en el instituto decidí dejar el conservatorio. No dejé de tocar la flauta, puesto que soy componente de una banda de música, soy flauta 1ª y flautín.
Ahora estoy planteándome volver al conservatorio ( si no me diesen plaza me apuntaría a la escuela de música de mi pueblo), ya que tengo 28 años, soy diplomada en magisterio de educación musical y no tengo responsabilidades mayores y me puedo dedicar a estudiar flauta travesera a fondo.

Le quería pedir consejo sobre la marca y modelo de flauta que me podría comprar para proseguir con mis estudios. Yo tenía pensada la Yamaha 371 ID, ¿a usted qué le parece?. ¿Me podría recomendar otras marcas y modelos? , ¿me puede recomendar también un flautín? el que tengo en la banda es el yamaha YPC 32 pero me gustaría probar alguno mejorcito.


RESPUESTA:
Hola:

Muchas gracias por tu mensaje y por leer mi blog. Intentaré darte una opinión que espero pueda resultarte de ayuda para la cuestión de la compra de tu flauta y flautín.

Ante la elección de un instrumento hemos de hacernos varias preguntas, de las que en tu caso ya has respondido algunas en el mensaje que me has enviado.
-¿Qué instrumento tienes ahora?
-¿Qué pretendes hacer con tu nueva flauta?
-¿Comprarás (o comprarías) otra en el futuro?
-¿Qué presupuesto manejas?

Por lo que dices, imagino que debes tener una Yamaha 271 ó similar, con la que hiciste tus estudos previos, y que quieres retomarlos oficial o privadamente con una flauta que te dé unas prestaciones superiores, y que esté en el entorno de los 1000€.

Si pretendes acabar el grado medio, un instrumento de nivel de "estudiante avanzado" como se suelen llamar te puede servir perfectamente. En la práctica hablamos de entre 1000 y 2000€. Si planteas tener un instrumento que pudiese darte aún más opciones yo pensaría ya en una Muramatsu EX o GX, Miyazawa o Pearl, pero eso ya nos lleva a entre 2000-5000€. 

La serie 300 de Yamaha es una buena opción, claro, pero no la única. 
Ventajas:
Son instrumentos fiables, bien construídos, duraderos y fáciles de encontrar en cualquier tienda, pues la marca distribuye a todas las tiendas de España. El mejor precio que he visto a priori son 890€ en: http://www.partituraonline.com/productos/alhambra/yamaha-yfl-371-id,4847/

Desde mi punto de vista las opciones que pueden resultar interesantes serían las Pearl y las Azumi..

Pearl es una de las grandes marcas que más opciones ofrece. La series Quantz y Dolce (modelos de iniciación y estudiante avanzado) ofrece una cantidad enorme de opciones tanto de construcción como de materiales. Bisel de plata, cabeza entera de plata, cabeza de plata y bisel en oro...

En España tiene la exclusiva Rivera Música, que ofrece un stock muy grande y un servicio de atención muy bueno (de los que yo conozco es el mejor). La serie "Quantz" cuesta desde unos 500€ en los modelos básicos (análogos a la serie 200 de Yamaha), hasta los 1200€ de los modelos con materiales más caros.

La serie "Elegant" de Pearl es el modelo de "estudiante avanzado", y se van hacia los 1600-2000€. Es un modelo muy bueno, que Pearl mantiene desde hace muchos años, con innovaciones interesantes de los modelos superiores de la marca. 
En mi opinión, Pearl tiene algunas buenas ventajas:
-Sistemas mecánicos muy buenos (pinless, core bar).
-Buena fiabilidad y durabilidad.
-Gran cantidad de opciones en materiales y mecanismos.
-Muy buen servicio de venta y post-venta.
-Precios en general algo más ajustados que sus competidores.

Desde mi punto de vista, otra opción interesante dentro de las marcas que podemos encontrar en España son las Azumi. Azumi pertenece a Altus (como Sonaré a Powell, Resona a Burkart, etc...). Altus es una de las marcas más punteras de los aúltimos años en flautas de nivel profesional e incorporan ventajas interesantes como la cabeza Z (un diseño propio del bisel, que de todos modos te puede venir bien o no, hay que probar), o la afinación con la escala Bennet. En España las importa Euromúsica (que no vende al por menor), y hay que preguntarles a ellos qué tienda minorista tiene alguna en stock. Oscilan entre los mil y pico y 2000€.

Resumiendo: Las yamaha series 300 son muy interesantes y buenos productos por el resultado general, durabilidad y posibilidad de revender con un precio razonable. Hay mucho stock. La serie 400 de yamaha ofrece instrumentos en plata, pero los que he probado a mí no me han acabado de gustar.

Pearl: Muy buen rendimiento, durabilidad y opciones de elegir el instrumento deseado. Muy buen servicio postventa y gran stock.

Azumi: Interesantes opciones (cabezas y afinación). La distribución puede ser uno de los puntos débiles, y el valor de mercado como segunda mano, también.

En cualquier caso, yo no compraría un instrumento sin mi mecánico ni sol adelantado (aunque esto ya es más particular). Pero insisto en lo del mi mecánico. Prueba entre varios instrumentos, y asegúrate de que están bien ajustados. Busca el mejor precio posible, pues estas marcas fabrican miles de instrumentos y hay variaciones grandes entre tiendas de España y/o Europa. 

Yamahas encontrarás en casi cualquier tienda (no te conformes con una flauta, que te enseñen varias). 

Si te decides a probar Pearl, llama a Rivera y que te digan en qué tienda tienen más stock, o intenta arreglar un encuentro para probar. Alguna vez el representante ha venido a Sevilla y traía decenas de instrumentos.

Azumi, habrías de preguntar a euromusicagarijo.com para saber qué stock tienen y en qué tienda de España.
En cuanto a los flautines. Los YPC 32 me parecen un instrumento muy bueno para empezar, y para tocar en banda particularmente (el material resiste a los cambios de temperatura y humedad).

En madera ya te has de ir al YPC 62 de yamaha, que normalmente son unos muy buenos instrumentos en relación calidad/precio, pero te vas a algo más de 1000€. El competidor directo es también el Pearl 105, que está hecho en grenaditte, que es un compuesto sintético (no es plástico). Es bastante más barato (unos 300€), y ofrece muy buenas prestaciones de sonoridad, afinación y mecanismo. 

En general para tocar en banda, y al aire libre, un material que no sea la madera es más estable, no solamente porque no se parte, sino porque se desajusta menos.

En todo caso, y tratándose especialmente de flautines, con lo complicado que es este instrumento, yo insistiría aún más en probar varios instrumentos de la misma marca y serie, y de marcas distintas. Como te digo, pide a las tiendas que te ofrezcan opciones de prueba y el mejor precio posible.

Bueno, espero que te sirva toda esta información, y si necesitas algo más no dudes en contactar.

Un saludo,
Alfonso Rubio.

miércoles, 21 de marzo de 2012

OBRAS COMPLETAS DE MOZART

Pinchando en el siguiente enlace se accede a la edición completa de las obras de Mozart en la edición de la Mozart Neue Ausgabe. También hay acceso a los estudios críticos de obras, cartas y libretos.

http://dme.mozarteum.at/DME/nma/nmapub_srch.php

viernes, 16 de marzo de 2012

OPOSICIONES. ANÁLISIS.

Pregunta:
 Buenos días


Mi nombre es Jorge. He leído su artículo sobre la prueba de análisis. Me parece super interesante. Este año me presento a las oposiciones en Andalucía. Ando un poco perdido en la parte del análisis puro.. Sé que hay que analizar todo lo referente al texto que nos presentan: notación, ritmo, melodía, armonía, forma, dinámica, agógica, aspectos interpretativos tales como indicaciones de tempo, matices, fraseo, ect..


Ahora bien en esta parte hay que extenderse mucho, poco, lo justo, ser concreto y no meterte muy a fondo por el tema del tiempo. Dar una visión general de que lo controlas? Imagino que la segunda parte de este ejercicio es mas importante no?

Respuesta:
 Hola Jorge:

En primer lugar gracias por leer el blog y por tu opinión acerca de la entrada que me comentas.

En cuanto a tus cuestiones, te diré que la prueba de análisis es para mí, la más estresante de todas las que conforman la fase de concurso. No sé si has hecho antes algunas oposiciones o no, pero en las mías me resultó así.

El tiempo es muy corto. Una hora para realizar el ejercicio, es realmente muy poco tiempo. Las convocatorias de las oposiciones suelen ser muy concretas al respecto de que todas las partes del análisis han de estar contempladas, pero hacen especial hincapié en que la parte referente al análisis didáctico es la más importante.

Por ello creo que evidentemente hay que hablar de la estructura general, el estilo, la armonía, el fraseo etc...de la pieza en cuestión, pero controlando siempre que nos quede tiempo suficiente para proponer nuestras ideas acerca de la idoneidad de la pieza para determinado nivel, y el tipo de trabajo que haríamos con ella. En tiempo real, yo creo que toda la parte de análisis puro no debe de ocuparnos más allá de una media hora, dejando otra media al menos para completar la parte didáctica y repasar todo lo que entregamos.

Esto no quiere decir que haya que desatender la primera parte del análisis, sino casi más bien al contrario. Hay que ser realmente muy preciso, para en muy poco tiempo concretar correctamente todas las características morfológicas y estéticas de una pieza. De este modo un tribunal puede tener una idea bastante buena de los conocimientos musicales de un opositor. En muy pocas frases se puede hablar de la armonía utilizada, el tipo de textura musical, los fraseos, las características estéticas, las cadencias, etc...

Pueden ser piezas conocidas por todos los opositores (p.e. "El negrito" de Debussy) o menos habituales. En mi oposición pusieron un tiempo de la Sonata de Feld, creo recordar, que yo no conocía en absoluto. En todo caso esto da igual, o no es especialmente importante, pues no se trata de "acertar" la pieza, sino describir las características de lo que leemos, y proponer un trabajo adecuado e interesante para los alumnos.

En todo caso, por mi experiencia personal como opositor y como preparador de otros, es muy importante hacer análisis de piezas elegidas al azar, con un reloj por delante y controlando exactamente que completamos todas las partes del mismo, dando especial relevancia al análisis didáctico. 

En fin, espero que mi respuesta te sirva en el proceso de preparación, y que te vaya todo muy bien de cara a las oposiciones.

Un saludo,
Alfonso Rubio.

P.
Buenas tardes


En primer lugar quería darte las gracias por tomarte la molestia en contestar. Puedes colgar mi e-mail sin ningún problema.


Otra cuestión tengo para tí. Me gustaría que me aconsejaras sobre un manual de consulta si lo existe para prepararme esta prueba en los dos ámbitos. Estaría guay alguno que especificara como realizarlo a modo de guía o algo parecido. Son mis primeras opos y ando un poco perdido en esta parte.


Se debe redactar todo lo que ves (ORDENADAMENTE CLARO) e ir poniendo ejemplos, o ser mas concreto Y CONCISO:


Ejemplo:
Primer movimiento
Armonía:
Fraseología:


Cuando hablas de características estéticas (melodía, ritmo, melodía,dinamica, agógica) te refieres a lo que se puede extraer de la obra y no meterte en relacionar con características de la época en cuestión y relacionarlas. O se debe realizar ambas consideraciones, es decir, hablar de lo que hay en la partitura y relacionarlo con las características del período en cuestión.


Gracias por todo


R.
Hola Jorge, no es molestia en ningún caso. Espero que te sirva de ayuda mi criterio.

Yo no conozco ningún libro en particular que trate el tema del análisis como entiendo que tú lo querrías para preparar las oposiciones. Los manuales o libros que conozco suelen ser siempre mucho más exhaustivos y hacen análisis bastante más profundos de las obras que de lo que se trata de hacer en la prueba. Puedes leer muchos análisis de obras variadas en multitud de libros, en internet mismo, etc... pero como te digo no conozco ninguno que plantee un trabajo escueto dirigido al tipo de análisis que hay que hacer.

En cuanto a cómo plantearlo, eso ya depende un poco de cada cual. A mí personalmente no me gusta un análisis por puntos concretos, pues en primer lugar cada obra puede tener un interés mayor o menor en cada ámbito. Por otro lado siempre que se redacta un texto, se da lugar a demostrar muchos más conocimientos (de historia, de organología, del repertorio, etc...). Yo siempre he preferido describir en un texto redactado lo que veo y deduzco de la partitura que se entrega.

Creo que el análisis musical no es un análisis de sangre ni de orina, en el que se cuantifica el colesterol o los trigilicéridos con números. Detrás de cualquier pieza musical hay mucho más contenido que no se puede explicar con meros datos. Una forma sonata clásica es conocida por todo el mundo (o casi). A mí como tribunal no me aportaría mucho un opositor que me diga las partes de la misma, o que las frases tienen 8 compases...esas son obviedades que se supone que cualquier músico formado conoce. Tampoco se trata de "adivinar" el nombre de la pieza, sino describir las características más importantes que la hacen ser como es. ¿Y esto qué quiere decir?. Pues si escuchas por ejemplo el Concierto Pastoral de Rodrigo ¿qué podrías destacar del mismo?. ¿Y qué es lo que lo hace diferente de, por ejemplo una Sonata de Blavet?. Estas características son las que hay que definir en cada caso.

Supongamos que no conoces el Concierto Pastoral. Si ves la partitura sin más, encontrarás una forma sonata prácticamente clásica, unas armonías tradicionales, unas cadencias también habituales en muchos casos, una instrumentación muy sencilla y clara...pero por otro lado una escritura instrumental de alto virtuosismo, determinados giros armónicos muy concretos que no son propios de un concierto para instrumento del s.XVIII ó XIX. Todas estas características detalladas con ejemplos concretos extraídos de la partitura, nos permiten argumentar qué pieza se nos ha presentado y en qué escenario histórico y estético la situamos en base a esos detalles y nuestros conocimientos musicales.

Como te decía es difícil plasmar todo esto en un listado sin más, y también dependerá de cada pieza que determinados aspectos tengan más o menos importancia. Una obra de Vivaldi, por ejemplo, tiene muy poco que contar desde el punto de vista de la armonía, mientras que en Sirynx es determinante. La textura de una Sonata para flauta y piano de Mozart se puede describir en dos frases, mientras que en la Sonata en si menor de Bach el contrapunto y la textura musical son la base misma de la música.

Es decir, creo que hay que adaptarse a cada fragmento, y describir los elementos que consideramos más importantes en cada caso. Y desde luego, relacionarlos con su contexto histórico y estético.

Ya sé que este es un terreno que incomoda a muchos instrumentistas, pues no nos preparan habitualmente muy bien para esta materia en concreto, y también supongo que lo que te digo, así en abstracto, debe ser bastante difícil de aplicar en tu práctica diaria de cara a las oposiciones. Yo que tú leería muchas piezas de las que hay en el repertorio habitual de los Grados Elemental y Medio, e iría analizando lo que veo, y escribiéndolo. Si no te aclaras, tal vez un guión como el que propones (armonía, cadencias, fraseo, textura, etc...) te puede ayudar a organizar la información que vas extrayendo de la obra y que después has de "cocinar". Cuando hayas visto dos o tres obras de características parecidas este trabajo se debe hacer mucho más rápido y rutinario, de modo que veas qué apartados son más importantes en la definición de cada pieza. Luego yo utilizaría esa información para redactar mi descripción de la pieza. Poco a poco te vas a ir familiarizando más con el tema.

Dejaría también a un lado el miedo a "acertar" la pieza (creo que es una manía muy común en los opositores) o la forma. Describe lo que lees y ya está. En un principio te puedes equivocar en algunos aspectos, pero si corriges tus análisis y los cotejas con otros de piezas similares que puedas encontrar, cada vez irás depurando más los aspectos característicos de cada pieza y de cada estilo.

Y cuando ya tuviese cierta práctica en esto haría los simulacros de examen con el reloj por delante y con el guión de todas las partes que la convocatoria precisa, dando siempre una importancia especial al análisis didáctico de la pieza y a la propuesta de trabajo que yo haría como profesor a mis alumnos.

En mi preparación para las oposiciones hace ya varios años hice estos simulacros de pruebas con piezas que elegía al azar de mi biblioteca, de internet, etc... Si los encuentro los colgaré tal vez en el blog por si le pueden venir bien a alguien.

Bueno, lo dicho; espero que te ayude todo lo que te escribo, y buena suerte.

Un saludo,
Alfonso Rubio.

miércoles, 11 de enero de 2012

Crítica. Concierto de Zahir en el Ciclo del CNDM. 7/11/11. Madrid Auditorio 400 del Museo Reina Sofía.

PLÉYADE DE MÚSICAS


“(…) El sobresaliente Zahir Ensemble se dejaba caer por el auditorio 400 para tocarnos un programa que ganó a cada obra. La velada arrancó en falso fortissimo con una obra nueva de Hèctor Parra, Equinox, que era en realidad un criptograma sin fondo: el joven barcelonés pretende hacer música con una diarrea de clústers y diferencias dinámicas pero lo que obtiene en su lugar es una sustancia gaseosa suspendida sobre el instrumental que allí se queda flotando. Los Éthers del espectralista Murail, resultan, por el contrario, absolutamente hipnóticos, pues con un solo juego de flautas ensortijado sobre unos cánones politonales y una maraca offstage obra este compositor el maravilloso efecto del tiempo. Tras la pausa escuchamos una versión revisada de las estupendas Arquitecturas del límite de Sánchez-Verdú, enhebradas sobre una rítmica neumológica que tiene algo de jarcha secreta. No obstante, la Son of Chamber Symphony de John Adams impactó como un trueno en un público hecho ya a las callosidades de la música anterior: es ésta un furioso carrusel de contrapuntos polirrítmicos o un carné de baile hecho sinfonía que llega a su remate con el pulso discotequero de una sesión house.(…)”

David Rodríguez Cerdán (Revista Scherzo. Diciembre de 2011)

11 de Noviembre de 2017 VI  RAFEL FESTIVAL.  Ensemble d'Arts.  Auditori de Rafelbunyol (València) 20:00h. SOLISTAS DE ZAHIR ENSE...